La musique classique désigne l'ensemble de la musique occidentale issue d'une tradition écrite et savante, profane ou sacrée, par opposition à la musique populaire, au jazz, au rock, à la musique de variétés. Elle comprend de nombreux genres, styles, formes et périodes, comme le chant grégorien, les musiques médiévale, de la renaissance, baroque, romantique, modene, contemporaine, etc.
La musique classique utilise des instruments comme le piano, l'orgue, les cordes, les cuivres et les bois, etc.
La musique classique, fondée à concourir à la culture musicale générale est à ce titre étudiée dans des conservatoires de musique. Elle est appréciée pour sa beauté, sa richesse, sa profondeur et sa capacité à exprimer des émotions et des idées. Elle est aussi un moyen de culture et d'éducation, qui permet de découvrir l'histoire, l'art et la pensée de l'Occident. Elle est enfin une source d'inspiration et de création, qui continue de se renouveler et de dialoguer avec d'autres formes musicales, lui permattant ainsi de rester vivante.
DÉFINITION
CLASSIQUE (définition du mot classique)
Est classique ce qui relève de la tradition et d'une esthétique qui a résisté au temps. La littérature classique est professée dans les classes, la musique classique enseignée dans les conservatoires. Par extension le terme "un classique" fait référence à une œuvre un auteur ou un musicien classique.
LES MUSIQUES
CLASSIQUES
On a tant écrit d'exposés sur la musique classique que nous ne nous étendrons
pas sur le sujet, pour nous contenter de quelques remarques. La musique
classique occidentale fait partie de notre culture et recèle des trésors
de la plus exceptionnelle beauté. Cependant même si son système d'organisation lui assure une place prépondérante dans la durée, elle n'éclipse pas pour autant toutes les autres.
Pour
la plupart d'entre nous, la musique classique est la musique des grands
compositeurs de notre tradition musicale. Pour certains elle est une musique "de classe" voire de classe sociale. On la distingue
ainsi de la musique populaire, de la musique de jazz, de la musique folklorique, de la musique
légère ou de la musique de variété. On l'appelle
aussi : "classique", "musique savante", "grande musique"...
La
musique classique englobe musique sacrée et musique profane. Elle peut être instrumentale, vocale ou les deux. La "tension-résolution" qui donne sa dynamique
à l'œuvre est obtenue par le jeu de dissonances se résolvant
en accord parfait.
Mais il faut savoir qu'il existe aussi des musiques "classiques" ailleurs qu'en occident, qui désignent des traditions musicales érudites,
telles que la musique classique chinoise, la musique classique indienne,
la musique classique andalouse etc. Mais notre objet présent est de survoler
la musique classique occidentale...
REGLES DE LA MUSIQUE
CLASSIQUE
La
musique classique occidentale répond à des règles
bien codifiées qui n'ont cessé de se perfectionner avec
le temps. C'est une musique écrite - à l'origine par des pontifes, des nobles et des seigneurs - rigoureuse, donc savamment
construite. Elle veut survivre à son époque, donc dédiée au compositeur, laissant
une part relativement restreinte à l'interprète. Le
son, matériau noble mais impersonnel de la composition doit être
émis selon des règles conservatives - pur et droit
- et cette sobriété peut lui donner une immense grandeur,
comme dans l'adagio du Concerto pour clarinette en la majeur K 622 de MOZART.
S'il est vrai que la musique populaire a eu une grande influence sur la musique classique et que leur distinction est parfois difficile à faire, l'existence d'un répertoire va différencier la première de la seconde. En effet, la musique populaire de tradition orale, donc pas ou peu écrite, sans véritable objectif de mémoire, n'est pas spécialement produite pour durer, alors que la musique classique, aristocratique, soigneusement transcrite par une notation précise sur des partitions, est composée pour résister aux modes. Et, institutionnelle, elle a l'ambition de traverser l'histoire, grâce à une organisation : un conservatoire avec des générations de professeurs, d'interprètes, assistés d'un conglomérat de critiques musicaux ou autres musicologues.
MUSIQUE
CLASSIQUE ET MUSIQUES IMPROVISÉES
S'il est vrai que la
musique classique écrite a connu dans le passé une forme d'improvisation sur basse continue, elle s'exclut aujourd'hui du genre des musiques improvisées,
complexes et imaginatives, où l'interprète ne
se contente pas de déchiffrer une partition,
mais génère dans l'instant sa propre "composition".
LA MUSIQUE DE JAZZ
Dans
la musique de Jazz, le thème d'un morceau a bien été créé ou écrit par un compositeur, mais l'improvisation
réalisée à partir de sa structure harmonique sera
laissée aux exécutants. La musique classique est dédiée
au compositeur, le jazz à l'interprète.
Il
faut noter au passage que composition et improvisation ne sont pas des
arts très éloignés. La musique improvisée
n'est autre qu'une composition extemporanée. Jetée sur
le papier elle deviendrait facilement musique écrite. Certes
la technique et le soin apporté à la composition permettent
une écriture plus recherchée, plus intellectualisée, plus élaborée...
Mais une improvisation de génie a-t-elle besoin de retouches
? La Fantaisie Chromatique de Jean-Sébastien
BACH n'est elle pas autre chose qu'une des ses célèbres
improvisations ?
MUSIQUE
CLASSIQUE, MUSIQUE DE "PREMIÈRE CLASSE" - CRITIQUE DE LA MUSIQUE CLASSIQUE
La
musique classique est dépositaire des canons de la beauté
et se définit comme une "musique de première
classe", à l'abri des modes : Certes, il y a beaucoup
de vrai dans cette qualification.
Cependant
mettons tout de même un bémol : la notion de beauté
demeure subjective. Elle varie au cours du temps, et il faut bien
dire que des œuvres sublimes sont répertoriées
dans le catalogue "Musique Classique" à côté
d'autres de énième catégorie, simplement oligarchiques, tout à fait
ennuyeuses.
Si
les compositeurs de génie nous transportent loin dans les océans vertigineux du ciel, combien d'autres nous ouvrent grandes
les portes étroites d'un assommant purgatoire !
La musique classique est
riche en chefs-d'œuvre, mais elle ne possède pas le
monopole de la splendeur, pas plus que le Jazz d'ailleurs, ni que quelque autre expression musicale.
Et
puis, n'y a-t-il pas chez les plus grands génies, des "must"
et des œuvres moins importantes, et ce, dans n'importe quel style
de musique ?
HISTOIRE
& CHRONOLOGIE DE LA MUSIQUE CLASSIQUE
L'histoire
de la musique classique occidentale est d'ores et déjà
monumentale. Elle commence tant bien que mal au VIème siècle avec l'avènement du chant grégorien première expression structurée, pour
pousser son itinéraire jusqu'à aujourd'hui. Aussi, nous ébaucherons les styles qui se sont développé
tout au long des siècles, du moyen âge à nos jours, afin de définir les
périodes significatives. Petite remarque : chaque école a tenté de revendiquer un renouveau en s'attribuant souvent des qualificatifs enflammés. On ne change ni la communication ni la nature humaine, même chez les musiciens !
ÉPOQUES
/ PÉRIODES / STYLES / DE LA MUSIQUE CLASSIQUE
DIAGRAMME CHRONLOGIQUE DE LA MUSIQUE CLASSIQUE
Les clignotants envoient sur le développement de la période correspondante
Frise chronologique histoire de la musique occidentale du début de notre ère à aujourd'hui
MUSIQUE MÉDIÉVALE DU DÉBUT DE L'ÉPOQUE CHRÉTIENNE AVANT LE PLAIN-CHANT
La musique médiévale couvre près de 800 ans d'histoire religieuse et profane. Elle débute avec les premières expressions chrétiennes.
Avant le IXème siècle, la musique médiévale est une forme presque exclusivement religieuse, monodique (chant à une seule voix, sans accompagnement), et
les incantations liturgiques chrétiennes qui remontent au début de notre ère jusqu'au grégorien, cantiques, hymnes et autres psalmodies en latin, sont de tradition orale, donc non écrites, et sans structure.
On notera le nom de Saint Ambroise, évêque de Milan, compositeur du IVème siècle, qui conserve dans ses hymnes les 4 modes grecs, dits "modes authentiques".
CHANT GRÉGORIEN, (VIe-IXe
siècle)
PREMIÈRE MUSIQUE CLASSIQUE MISE EN FORME
Parchemin de chant grégorien
Définition du chant Grégorien
Le chant Grégorien ou plain-chant est l'ensemble des litanies rituelles de l'Église catholique romaine, codifié et développé par le pape Grégoire Ier (né vers 540, mort en mars 604) au VIème siècle. Le plain-chant, monodie modale et diatonique trouvant son rythme dans les accents toniques du texte liturgique en latin, est censé amener calme et sérénité. Le chant Grégorien sera la première notation manuscrite de musique et dominera l'espace musical entre VIème et XIème-XIIème siècle (#550-1200).
Chant
grégorien
Au
VIe siècle, période du haut moyen âge, la
musique, diatonique, modale n'exploite encore que huit notes. C'est une musique incantatoire qui engendre une impression d'immobilité et d'apesanteur, une certaine
mélancolie propice à la méditation, à
l'invocation cultuelle. Elle est toujours de tradition orale.
Le chant grégorien,
apparaît à la fin du VIème siècle, à l'initiative
du pape GREGOIRE Ier, qui pour ordonnancer les rites du culte, rassemble dans un "antiphonaire" une sélection de chants destinés aux diverses fêtes religieuses de l'année.
La première notation musicale apparaît avec les neumes, signes en forme de point, de trait ou d'accent représentants un élément mélodique. Les tropes ajoutent paroles et mélodie conjointe sur certains passages.
GREGOIRE LE GRAND
Et c'est encore GREGOIRE "le grand" qui fonde la Schola Cantorum, pour former les ecclésiastiques qui diffuseront sa nouvelle codification.
En 813 Charlemagne, au concile de Tours, impose le grégorien à tout l’Empire...
Le chant grégorien éclipse toute autre forme musicale le VIIème et XIIème siècle, et perdure encore aujourd'hui dans la tradition des moines de l’ abbaye de Solesmes.
Le chant grégorien utilise 8 modes "ecclésiastiques" , dont 4 "authentiques" (dorien, phrygien, lydien, mixolydien) et 4 "plagaux" dérivés (hypodorien, hypophrygien, hypolydien et hypomixolydien).
PREMIÈRES PARTITIONS DE CHANT
GRÉGORIEN OU PLAIN-CHANT (Ier-VIème
siècle)
Le
chant grégorien, ou plain-chant, à la fois musique liturgique et musique savante, est la première
expression musicale véritablement accomplie, pouvant être
qualifiée de "musique classique", la désignation "Chant grégorien" n'apparaissant d'ailleurs qu'au IXe siècle. Cependant,
la partition de chant grégorien
est pour le moins embryonnaire : La mesure n'existe pas encore
et les notes sont représentées par les premières
lettres de l'alphabet. A = la, B = si, C = do etc., notation toujours
conservée aujourd'hui par les anglo-saxons. (Voir partitions, notation musicale)
MUSIQUE
CLASSIQUE MÉDIÈVALE (XIème-XIVème siècle)
COMPOSITEURS
DE MUSIQUE CLASSIQUE DE LA PÉRIODE OU ÉPOQUE MÉDIÈVALE INSTRUMENTS
DE MUSIQUE DU MOYEN ÂGE - ARS ANTIQUA & NOVA
A
côté de la musique
religieuse, se développe une musique profane savante,
qui est celle des troubadours (dans le sud de la France) et des trouvères (au nord de la Loire).
Les troubadours et trouvères, poètes et musiciens, le plus souvent seigneurs et personnages cultivés de haut rang, vont faire évoluer la musique. On compte même parmi les troubadours des femmes qui jouent de la lyre ou des tambours et composent et interprètent leur propre musique : Ces musiciens introduisent
la mesure, puis les altérations etc. En effet, leurs chansons sont des poésies écrites en vers, et ils doivent équilibrer leurs mélodies avec le rythme des paroles.
Les ménestrels, sont au contraire des musiciens itinérants populaires. Ils initient et perpétuent leur savoir dans des écoles de "ménestrandie", qui préfigurent les conservatoires de musique actuels.
La musique du moyen-âge
installe de profonds changements : linguistiques et théoriques.
On passe du latin à l’ancien français ; la musique médiévale se dote en même temps d'un système de notation relativement rigoureux, initiant
les premières véritables
partitions de musique, avec leurs notes encore carrées. Troubadours et trouvères composent les premières chansons de geste et poésies de cour.
L'Eglise bannit les "Drames liturgiques" au caractère trop profane, qui deviennent "Mystères" ce qui va favoriser l'essor des cantiques.
LA POLYPHONIE
Les
choses avancent assez vite, car une petite révolution
musicale est en train d'avoir lieu avec la naissance de la polyphonie, ou
écriture à plusieurs voix.
En effet auparavant, il n'existait
que des ensembles à l'unisson ou à l'octave. La musique polyphonique qui nécessite de définir une durée rigoureuse des notes va conduire à la notation mesurée.
ARS ANTIQUA
Au XIIème siècle, la musique classique
médiévale va développer la polyphonie avec l'ARS ANTIQUA et l'Ecole de Notre-Dame de LEONIN et PEROTIN. On distingue l'organum (une voix double le thème en parallèle, s'en éloigne et y revient), du déchant (les voix évoluent en sens contraire, s'entre croisent), du motet où un petit texte est placé sur les vocalises de l’organum et du conduit (un motet à 2, 3 ou 4 voix).
ARS NOVA
Au XIIIème / XIVème siècle s'impose l'ARS NOVA (1320 à 1380) de Philippe de VITRY et
Guillaume de MACHAUT, avec l'isorythmie (répétition régulière d'un élément rythmique) et l'iso-périodicité (division en périodes égales). La musique
médiévale exploite un répertoire renouvelé, affirme une
plus grande expressivité ;
puis c'est l'avènement de l'école franco-flamande
imposant des règles de contrepoint bien codifiées, aiguillonnant l'invention du canon...
Les innovations de cette musique résolument temporelle et sensuelle qui apporte tant à l'art musical, scandalisent l'autorité pontificale claquemurée dans la vénération du grégorien : le pape Jean XXII lance un appel qui condamne cette expression "lascive" comme "musique
honteuse"...
Ce
sont donc les troubadours, seigneurs ambulants
et poètes lyriques, qui portent peu à
peu le chant amoureux profane au zénith d'un art savant authentique.
COMPOSITEURS
DE MUSIQUE CLASSIQUE DU MOYEN ÂGE
Giraut de BORNELH, Adam de la HALLE, appelé aussi Adam le bossu, Thibaud de Champagne devenu roi de NAVARRE, troubadours et trouvères ont laissé de charmantes ballades ; Guillaume
DUFAY, Jean OCKEGHEM et Josquin DES PRÈS sont les premiers
compositeurs qui illustrent la musique classique médiévale.
INSTRUMENTS
DE MUSIQUE DU MOYEN ÂGE
Quels
sont les instruments de musique utilisés à cette
époque ? Les principaux instruments de musique du moyen-âge
avec olifants, trompes, serpents, orgues,
cithares, flûtes, cromornes, cornemuses, lyres, harpes,
psaltérions, tympanons, timbales, cymbales, carillons, timbre (sorte de tambour), et chalumeau,ancêtre de la clarinette, s'enrichissent de luths (instruments
à cordes pincées) et violes (précurseurs
du violon) ; Les seigneurs ont ramené des croisades des instruments nouveaux : les guitares mauresques et latines apparaissent au XIe-XIIe siècles ;
La musique classique du moyen-âge va par conséquent combiner et orchestrer plusieurs de ces
instruments.
MUSIQUE CLASSIQUE DE LA RENAISSANCE (XVIe siècle)
COMPOSITEURS
DE MUSIQUE CLASSIQUE DE LA RENAISSANCE - PALESTRINA INSTRUMENTS
DE MUSIQUE DE LA RENAISSANCE
Musique de la renaissance
DÉFINITION DE LA MUSIQUE DE LA RENAISSANCE
La musique de la renaissance est celle composée entre la fin de la musique médiévale au XVe siècle, et le début de la période baroque au XVIIIe siècle. Les modes médiévaux anciens font place à deux modes uniques : majeur et mineur, avec leur gamme correspondante.
STYLE DE LA MUSIQUE DE LA RENAISSANCE ET RÈGLES HARMONIQUES
Artistes,
écrivains et musiciens de la Renaissance, fascinés par l'antiquité,
rêvent d'un retour aux sources de la culture grecque et
latine, et d'unir poésie et musique. En fait, ne parvenant pas à retrouver ces racines, ils sont obligés de réinventer un art musical. Renaissance
et Réforme protestante vont alors bouleverser le XVIème siècle.
EXPLOITATION DES CONSONANCES ET DISSONANCES
La musique de la Renaissance, qui se veut également "humaniste", clarifie et revivifie alors formes et règles quelque peu rudimentaires de la musique médiévale : c'est alors la réduction des tonalités à deux seuls modes, majeur et mineur, la codification des intervalles, l'utilisation des altérations, dièses et bémols, le développement de l'harmonie et du contrepoint,
l'exploitation des consonances (union de sons agréables à entendre) et dissonances (introduction de note étrangère à un accord, provoquant une discordance), des tierces et des sixtes en complément des quintes, quartes et octaves, seules consonances jusqu'alors autorisées, l'institution de la cadence parfaite.
La musique de la renaissance commence à poser ainsi des bases sérieuses à la musique moderne.
Giovanni da PALESTRINA
Roland de LASSUS
La
musique de la Renaissance se libère de plus en plus de
l'hégémonie de la religion, et toutes les formes
d'expression issues de la musique médiévale prennent
une vie nouvelle. Musique sacrée et musique profane vont se scinder désormais en deux genres bien distincts.
MUSIQUE
SACRÉE DE LA RENAISSANCE
La musique sacrée de la Renaissance s'incarne dans la messe et le motet et s'illustre avec deux grands compositeurs, qui portent la musique polyphonique au plus
haut degré de perfection :
Giovanni PIERLUGI Da PALESTRINA
Giovanni PIERLUIGI
da PALESTRINA (1525-594), organiste et Maître de chapelle (motets, offertoires, magnificat, litanies, cycles de lamentations, psaumes, cantiques,
hymnes, madrigaux spirituels et profanes, ricercari pour orgue, Stabat Mater).
Roland de LASSUS
Et surtout Roland de LASSUS (1532-1594) Belgique, compositeur de l'école franco-flamande (530 motets, 175 madrigaux italiens, 150 chansons françaises et 90 lieder allemands, messes et Magnificat)..
La réforme protestante
apporte de nouvelles règles dans la pratique de la religion.
Martin LUTHER développe les cantiques à une ou plusieurs voix le fameux choral chanté par les fidèles, et qui tiendra une place si importante
dans l'œuvre de Jean-Sébastien
BACH, quelques 150 années plus tard
MUSIQUE
PROFANE DE LA RENAISSANCE
Détachée
de l'emprise de l'Eglise, la musique classique profane, se donne
pour seul but, non plus les louanges du Seigneur, mais la beauté
et la célébration de la nature et de l'Homme
C'est aussi l'apparition
d'une académie de musique et
de poésie, fréquentée par une élite intellectuelle
et les poètes de la Pléiade. Les chansons et madrigaux sont souvent composés sur des poèmes de qualité, dans le respect absolu du texte des grands auteurs de l'époque, tels Clément MAROT, Charles d'ORLEANS, VILLON, RONSARD ou du BELLAY...
LA CHANSON POLYPHONIQUE
La polyphonie pas encore parfaite de la musique médiévale va s'épurer et se sublimer en une nouvelle forme de chanson française à 4 voix, ravissante de chic avec Clément JANEQUIN, Roland de LASSUS, Claudin DE SERMISY.
LE MADRIGAL ET LA NAISSANCE DE L'OPÉRA
Le madrigal italien va établir un lien étroit entre paroles et musique. Le madrigal est la plupart du temps une polyphonie vocale "a cappella", bien que la substitution des voix (généralement entre 3 et 5) par des instruments ait été acceptée. La vocation théâtrale du madrigal annonce l'avènement de l’opéra, que Monteverdi illustrera avec brio un siècle plus tard.
COMPOSITEURS
DE MUSIQUE CLASSIQUE DE LA RENAISSANCE
On
peut retenir parmi les compositeurs de musique classique de la
renaissance, les noms de PALESTRINA (1525-594), Roland de LASSUS, John DUNSTABLE (1385-1453) en Angleterre, Guillaume DUFAY (1400-1474), Johannes OCKEGHEM (1410-1497) en Belgique, Michael Praetorius (1571-1621) en Allemagne.
la
musique classique instrumentale a désormais acquis vie et autonomie. On
compte maintenant parmi les instruments de musique de la renaissance,
l'orgue, et notamment le grand
orgue qui apparaît désormais en soliste, la trompette,
l'épinette, ancêtre du clavecin, le luth , la vièle,
la viole, le cistre et le violon.
MUSIQUE
CLASSIQUE BAROQUE (XVIIe-XIIIe siècle)
COMPOSITEURS
DE MUSIQUE CLASSIQUE DE LA PÉRIODE OU ÉPOQUE BAROQUE - JOHANN-SEBASTIAN BACH INSTRUMENTS
DE MUSIQUE DE L' ÉPOQUE BAROQUE
Succédant
à la musique de la Renaissance, la musique baroque
se développe du début du XVIIème siècle à
la moitié du XVIIIème siècle soit une période d'environ 150 ans, de 1600 à 1750, avec un foisonnement de
formes musicales admirables.
La musique baroque a largement contribué à la progression de l'art musical. Elle voit l'apogée du contrepoint et de la basse continue, l'exploitation du tempérament égal de l'allemand WERCKMEISTER, le chiffrage des accords, la codification de l'ornementation, fondant ainsi les bases de la musique occidentale. Les compositeurs écrivent des traités d’harmonie : Marc-Antoine Charpentier, René Descartes, François Campion, Jean-Philippe Rameau. Musique
vocale et instrumentale se scindent en deux genres définis, prenant maintenant chacun leurs
direction propre.
Bien entendu aussi, comme au cours de chaque siècle, le XIIIème verra la création et le perfectionnement d'instruments (trompette en ré, clavecin...).
Le
"tempérament égal"
est une méthode tout à fait théorique qui
consiste à diviser une octave en douze intervalles chromatiques,
tous égaux.
Cette invention qui présente l'inconvénient
de ne donner aucun intervalle pur, mis à part l'octave,
présente par ailleurs d'incroyables avantages. Elle sera une des bases de la musique classique occidentale
moderne.
En
effet, cette importante innovation permet désormais de moduler
une pièce c'est à dire de passer par des tonalités
différentes au cours du même morceau, de jouer aussi
bien dans les tons majeurs que mineurs, et de transposer dans
toutes les tonalités.
LE CHIFFRAGE ET LA BASSE CONTINUE
La basse continue est également une innovation caractéristique de la période baroque.
Dans la musique de la Renaissance, l’interprète doit harmoniser lui-même les accords à partir d’une simple ligne de basse sous-jacente.
C'est la basse continue, qui sert de guide au musicien tout au long du morceau sans discontinuer, d'où son appellation.
Les compositeurs baroques vont perfectionner le système, en établissant une notation chiffrée des accords.
LE
CONTREPOINT
La
musique classique baroque s'enrichit alors d'un riche contrepoint combinant les lignes en polymélodies de plus en
plus élaborées, se pare d'harmonies chatoyantes. Elle s'agrémente
d'une libre richesse "d'ornements", mordants, appogiatures et trilles, et s'empare d'une plus grande expressivité.
La musique classique baroque ainsi définie, prendra une forme spécifique
dans chaque pays, avec la création d'écoles bien
distinctes.
MUSIQUE BAROQUE ITALIENNE
On
peut dire que la musique classique baroque a débuté
en Italie avec Claudio MONTEVERDI (1567-1643) et Antonio VIVALDI. Le style baroque
italien a immédiatement connu un vif succès et s'est
répandu comme une trainée de poudre dans toute l'Europe avec Thomaso ALBINONI, Girolamo FRESCOBALDI, Giovanni GABRIELI, Arcangelo CORELLI, Agostino AGAZZARI...
Tomaso Giovanni ALBINONI
Tomaso Giovanni ALBINONI (1671 -1751) violoniste et compositeur italien de musique baroque et connu pour ses concertos, (pour hautbois, violon) a mené une carrière brillante en toute indépendance.
Antonio Lucio VIVALDI
Antonio Lucio VIVALDI (1678-1741) magistral compositeur baroque italien, exceptionnel virtuose du violon, a initié le concerto de soliste dérivé du concerto grosso. Son œuvre dédiée à la musique instrumentale, sacrée et lyrique s'est illustrée par un nombre considérable de concertos (Les 4 saisons), sonates, opéras, pièces religieuses (Dixit Dominus). VIVALDI a été l'un des premiers à composer pour la clarinette.
MUSIQUE
BAROQUE FRANÇAISE
François COUPERIN & Jean-Baptiste LULLY
François COUPERIN (Leçons de Ténèbres) et Jean-Baptiste LULLY, surintendant de la musique du roi Louis XIV, boquent la
musique baroque italienne en France : la musique baroque française préfère la tragédie lyrique à l’opéra, la suite de danses aux sonates et concertos.
Jean-Philippe RAMEAU
Jean-Philippe RAMEAU, Marc-Antoine Charpentier, Michel-Richard De Lalande, et André Campra seront les maîtres du grand motet français. On se souviendra aussi de Louis Couperin, Henry Desmarest, André Cardinal Destouches, Henry Du Mont, Jehan Titelouze, Jean Gilles...
Georg
Friedrich HAENDEL (1685-1759), représente avec Jean-Sébastien BACH l'apogée de la musique baroque. Virtuose de l'orgue et du clavecin, il naît en Allemagne à Halle. Installé quelques mois à Hambourg, il
se rend en Italie durant une longue partie de sa vie, et la musique classique baroque italienne l'influencera profondément.
Puis
Georg Friedrich HAENDEL décide de se fixer en Angleterre,
où il restera définitivement. Il fonde alors l'académie
royale de musique, et se fait naturaliser anglais.
Grand
parmi les grands de la musique classique baroque, Georg Friedrich
HAENDEL réalise une synthèse magistrale des traditions musicales d'Allemagne, d'Italie, de France et d'Angleterre.
HAENDEL a composé une importante œuvre dramatique
et religieuse et laisse une énorme et impressionnante production : Opéras, Musique religieuse, Musique pour orchestre, Musique de chambre... Ses oratorios grandioses, dont "le Messie" composé pour la résurrection du Christ, ses concertos pour orgue et suites pour clavecin, ses Water Music, "Music for Royal occasions", " "Music for the Royal Fireworks", sa précocité à employer la clarinette dans son Ouverture, en ré majeur HWV 424, etc.
HAENDEL a su, à l'image de Jean-Sébastien
BACH, fusionner ses sources d'inspiration, en parvenant à
une dimension esthétique extrêmement puissante.
J. -S. BACH est un esprit brillant, doué d'une intelligence
exceptionnelle : Il réalise avec un génie inégalé
la synthèse des différents courants musicaux existants.
Il pousse l'art musical baroque à son apogée, et
le projette en le transcendant bien au delà de son époque
!
Vieille dame de près de 3 siècles, la musique baroque s'impose aujourd'hui comme celle de l'harmonie fondamentale avec les premières règles harmoniques bien codifiées.
La caractéristique principale de la musique baroque est l'usage de la basse continue. Musique au rythme régulier, aux dissonances colorées et efficaces, la musique baroque fait souvent appel à un ou deux solistes, comme en particulier dans le Concerto grosso. Les contrastes de dynamique n'apparaîtront vraiment qu'à la période classique.
GENRES MUSICAUX DE LA PÉRIODE BAROQUE
Pendant
toute cette période baroque si féconde, ont fleuri
de très nombreuses expressions musicales : le choral,
la cantate, le motet, la toccata, la sonate, la fugue,
l'oratorio, la passion, le concerto
grosso, l'opéra, qui en sont les principales manifestations.
Le choral, caractéristique de la musique baroque, est un chant liturgique, souvent accompagné à l’orgue est puisé dans la tradition sacrée, mais aussi profane. Promu par Martin Luther pour faire chanter les fidèles dans les offices, il trouve sa plus haute signification dans l'œuvre de Jean-Sébastien BACH (Orgelbüchlein).
La passion est une forme d'oratorio, composition pour chœur et orchestre et solistes récitants, écrit pour illustrer la passion du Christ. (J.-S. Bach passion selon St Matthieu, chef d'œuvre de la musique).
La cantate, ensemble de récitatifs chantés à une ou plusieurs voix, est écrite sur le principe de la basse continue ; l’oratorio est une sorte d'opéra religieux, présentant un thème central et des récitatifs ; le concerto grosso prédomine à la période baroque sur le concerto de soliste. Il s’est largement développé 100 ans plus tard dans la période classique et s'est étendu jusqu'à nos jours ; la sonate désigne une œuvre instrumentale en trois parties (voir : forme sonate) ; la suite est dérivée de la sonate.
LA
MUSIQUE CLASSIQUE DRAMATIQUE, LYRIQUE ET L'OPÉRA
Les
années 1600 voient éclore les premières
compositions de musique classique dramatique, qui donneront naissance
à l'Opéra.
Certes
le mystère du moyen âge, puis le ballet de cour de
la renaissance étaient la préfiguration de l'Opéra.
Quoi qu'il en soit, le terme de musique classique dramatique n'apparaît
qu'au XVIIIème siècle.
COMPOSITEURS
DE LA PÉRIODE BAROQUE
Nombreux
sont les compositeurs de musique classique baroque qui ont laissé
leur marque. Parmi eux il est il y a lieu de mentionner
:
Les
instruments de musique de la période baroque
se perfectionnent : le violon atteint sa perfection technique avec le célèbre luthier STRADIVARIUS. Le violoncelle s'étoffe,
cependant que le luth voit sa vogue s'estomper, tout comme l'épinette
qui va être remplacée par le clavecin. La trompette en ré,
ou trompette baroque, caractéristique de la période, encore dépourvue de pistons, n’émet que les harmoniques du son fondamental. À noter que ce n'est qu'à la fin de la période baroque, que la trompette devient chromatique. Jakob DENNER présente en 1700 la première clarinette, mais qui sera peu utilisée à son époque, sauf par Haendel, Vivaldi et Rameau.
MUSIQUE
CLASSIQUE DE LA PÉRIODE "CLASSIQUE" (Fin XVIIIème - XIXème siècle)
LE CLASSICISME MUSICAL
W.A. Mozart, génie du classicisme musical
COMPOSITEURS
DE MUSIQUE CLASSIQUE DE LA PÉRIODE OU ÉPOQUE CLASSIQUE - WOLFGANG AMADEUS MOZART / INSTRUMENTS
DE MUSIQUE DU CLASSICISME MUSICAL
Définition de la période "classique" ou "classicisme.
La période dite "classique" ou classicisme musical désigne les œuvres comprises entre la fin du XVIIIe siècle avec la mort de Jean-Sébastien BACH et le début de la période romantique vers 1820. Le classicisme est caractérisé par la "forme sonate" et l'avènement des contrastes de rythme et de dynamique.
LE
CLASSICISME MUSICAL ET LA FORME SONATE (Fin XVIIIème siècle)
F-J
HAYDN
W-A MOZART
Franz SCHUBERT
LA
FORME SONATE DE LA PÉRIODE CLASSIQUE
Le "classicisme musical" ne s'étendra que sur
une cinquantaine d'années. Il est appelé ainsi parce que
sa forme stricte fait une synthèse épurée de tout ce qui a existé avant, se donnant comme objectif
rien de moins que la beauté pure. Peut-être aussi,
parce qu'à partir de cette époque est née une tradition.
A
la mort de Jean-Sébastien
BACH en 1750, se profile une nouvelle étape de la musique classique occidentale.
Les fils de BACH, notamment Carl Philipp Emanuel BACH et Johann-Christian
BACH ont déjà remis en question l'héritage
musical paternel et initié une nouvelle voie...
La période
dite "classique", ou encore "du classicisme musical"
va transcender la musique du XVIIème siècle avec un style plus simple, associant retenue et équilibre dans la limpidité, tout en élégantes nuances, mais aussi maniant l'art d'exploiter de puissants
contrastes. Ces
contrastes, utilisés aussi bien dans le rythme que dans la dynamique sonore, vont rompre la monotonie contrapunctique
de la musique baroque, en créant la surprise
et relançant sans cesse l'intérêt de l'œuvre.
La musique de la période classique a définitivement adopté le système
de "tempérament égal" de l'allemand WERCKMEISTER, merveilleusement développé par J.-S. Bach dans le clavier bien tempéré. Nous
avons vu que le tempérament égal qui consiste à
diviser l'octave en 12 demi-tons égaux permet désormais
de jouer, de moduler et de transposer avec aisance dans toutes
les tonalités.
La "forme sonate"
Le
style musical de la période classique se caractérise par la généralisation
de la "forme sonate" qu'on retrouvera dans les 5 genres musicaux qu'il affectionne particulièrement :
la sonate proprement dite, préfigurant la symphonie, le quatuor à cordes, le concerto de soliste et l’opéra. Menuet, rondo, scherzo sont également souvent utilisés dans la musique de la période classique.
La forme sonate comprend trois parties : exposition du thème, développement avec variations, pour terminer avec réexposition dans la tonalité principale, et coda.
Wolfgang Amadeus MOZART
Wolfgang Amadeus Mozart est l’un des plus illustres compositeurs de la musique classique occidentale, et la figure majeure du "classicisme". Virtuose du clavecin et du violon, il connaît le succès dès son enfance en portant les formes musicales à un niveau inégalé. Mozart a composé les plus belles œuvres de clarinette de toute l'histoire de la musique
NAISSANCE
DE LA MUSIQUE CLASSIQUE SYMPHONIQUE
Franz Joseph HAYDN (1732-1809), compositeur autrichien, incarne le classicisme viennois. Initiateur de la symphonie et du quatuor à cordes,
il préfigure déjà le romantisme avec sa Symphonie n° 49 en fa mineur à son époque "Sturm und Drang".
DÉFINITION SYMPHONIE
Une symphonie est une imposante œuvre instrumentale de musique savante, dérivée de la sonate, comprenant plusieurs mouvements, et composée pour unorchestre symphonique.
L'ORCHESTRE
CLASSIQUE SYMPHONIQUE
Pour
exprimer les contrastes, la musique a besoin en effet d'un orchestre souple
et puissant, capable d'exprimer des nuances
allant du pp au fff: c'est la naissance de la musique symphonique.
L'orchestre
classique symphonique se développe et se différencie
formellement désormais, du quatuor à cordes, séparant
en deux genres distincts musique classique symphonique et musique
classique de chambre.
Le
rôle du chef d'orchestre classique, remplaçant le
chef de pupitre (chef de chœurs) va désormais devenir essentiel. La
modernisation et l'invention d'instruments nouveaux comme le piano-forte,
la clarinette etc. vont enrichir
la palette sonore des compositeurs de timbres inédits, et
leur donner des envies ou des idées.
GENRES MUSICAUX DE LA PÉRIODE CLASSIQUE : CONCERTO, QUATUOR À CORDES, TRIO AVEC PIANO
CONCERTO DÉFINITION
Le concerto de soliste, fondé par Vivaldi, fait dialoguer un ou plusieurs instruments solistes avec l'orchestre. Il intègre la forme sonate et comprend généralement 3 mouvements : un mouvement rapide, un adagio et un autre mouvement
rapide final. Le concerto
a pour but de mettre en valeur la sensibilité et
la virtuosité du soliste, son talent à ornementer, voire à improviser.
Le concerto grosso désigne le concerto instrumental italien fait dialoguer quelques d’instruments solistes (le concertino) et la masse d'un orchestre à cordes (le ripieno). Le concerto grosso comprend quatre mouvements, alternativement lents et rapides.
Le quatuor à cordes, formation majeure de la musique de chambre, et forme musicale ad hoc, est une composition à 4 voix pour 2 violons, un alto et un violoncelle.
Le trio avec piano est écrit pour piano et duo de violon et violoncelle.
L'OPERA À LA PÉRIODE CLASSIQUE
Mozart est l'un des grands maîtres de l'opéra classique. Que ce soit dans l'opera buffa avec "Les Noces de Figaro", "Così fan tutte", le Singspiel " avec "L’enlèvement au sérail" ou dans un style inclassable comme son chef d'œuvre de "La Flûte enchantée.
Lassé du style lyrique italien trop assujetti aux prouesses vocales des chanteurs, Glück, compositeur baroque allemand, revient aux fondamentaux du texte et de la musique.
MUSIQUE SACRÉE DE LA PÉRIODE CLASSIQUE
HAYDN, MOZART, CHERUBINI et BEETHOVEN développent dans leurs messes à la dimension symphonique de la période classique. La messe sera brève (missa brevis), ou solennelle (missa solemnis).
INSTRUMENTS
DE MUSIQUE DE LA PÉRIODE DITE "CLASSIQUE"
Les
instruments de musique utilisés à cette période
classique englobent le piano-forte, à queue ou carré,
qui va remplacer le clavecin, le violon et le violoncelle qui
détrônent définitivement les violes ; la harpe devient chromatique ; la clarinette qui va s'imposer avec limpidité dans les concertos
et quintettes pour clarinette de MOZART. L'orgue
classique atteindra sa plus belle expression, noble et pure
; Les trompettes s'affinent encore.
MUSIQUE
CLASSIQUE ROMANTIQUE (XIXème siècle)
COMPOSITEURS
DE MUSIQUE CLASSIQUE DE LA PÉRIODE OU ÉPOQUE ROMANTIQUE - BEETHOVEN, SCHUBERT, SCHUMANN, LISZT, BERLIOZ, WAGNER / INSTRUMENTS
DE MUSIQUE DU CLASSICISME MUSICAL
Frederic Chopin-Zelazowa-Wola
Définition de la musique de la période romantique
La période romantique désigne un large courant musical du XIXe siècle, s'inscrivant dans le mouvement artistique du "Romantisme", basé sur l'expression et l'émotion. Le piano-forte remplace le clavecin, et une orchestration de plus en plus élaborée exploite à fond les contrastes de dynamique.
Ludwig
van
BEETHOVEN
Richard
WAGNER
Hector BERLIOZ
Robert SCHUMANN
Franz LISZT
Joannes BRAHMS
ROMANTISME LITTÉRAIRE ET MUSIQUE CLASSIQUE ROMANTIQUE
Le
romantisme apparaît en Allemagne à la
fin du XVIIIème siècle avec le "Sturm und Drang", pour gagner toute l'Europe. Parallèlement,
à ce courant littéraire, la musique classique conquiert à cette période une
place prépondérante, une situation d'art majeur.
Durant
tout le XIXème siècle, la musique classique romantique va
remplacer la superbe rigueur du classicisme musical par le lyrisme, l'émotion. Et en même temps, il développe des formes harmoniques nouvelles.
Le
lyrisme, expression de l'individualisme, engage le compositeur à exprimer ses sentiments, ses états d'âme,
sans doute en réaction contre la raison pure ! Le musicien
romantique, libéré des canons d'un style défini,
va par conséquent, s'attacher à exprimer avant tout
sa sensibilité, son affectivité. Les thèmes tournent autour de l’amour, la liberté, la nature et s'inspirent de légendes ou d'idées philosophiques.
LES GENRES MUSICAUX
Le romantisme reprend les formes musicales de la période classique, sonate, quatuor, concerto, symphonie, et
invente de nouvelles formes telles que le Lied, le poème symphonique et des compositions spécifiques pour piano, préludes, nocturnes, valses, ballades, rhapsodies... Le piano devient l'instrument favori des virtuoses et des compositeurs.
COMPOSITEURS
DE MUSIQUE DE LA PÉRIODE ROMANTIQUE
Ludwig Van BEETHOVEN
Ludwig van BEETHOVEN, précurseur
du romantisme, dont la forte personnalité
projette à travers son œuvre un idéal de liberté
et de fraternité, est le héraut de la période
romantique.
Sa
vie tourmentée transparaît dans sa musique. Sa technique
de composition, toujours inspirée de la sonate classique,
se rattache par cet aspect au classicisme, un art qu'il
revisite sous forme symphonique. Après lui, d'ailleurs, la symphonie deviendra la forme par excellence de composition.
Franz SCHUBERT
Franz SCHUBERT classique pré romantique est le véritable créateur du Lied et du concept de cycles de Lieder sur les thèmes de l’amour et de la nature. SCHUBERT meurt à 31 ans, mais laisse 9 symphonies, dont une avec clarinette, 7 messes, une importante œuvre de musique de chambre : pièces pour piano, trios, quatuors et quintettes. Son œuvre la plus connue du grand public est "Die Forelle" (La Truite)
Carl Maria Von WEBER
Carl
Maria Von WEBER, compositeur réputé pour ses opéras typiquement allemands, ses singspiel, ses lieders, et son "fameux" Concerto de clarinette est
le premier vrai romantique. Il doit ses titres de gloire à
un opéra national, et naturellement à son concerto.
Robert SHUMANN
Robert SCHUMANN, représentatif du romantisme allemand, Il compose plus de 130 Lieder, 4 symphonies, deux concertos, des pièces de fantaisie pour clarinette, un oratorio, un opéra et un requiem. Il est atteint malheureusement atteint de troubles mentaux qui s'aggraveront au cours du temps.
Hector
BERLIOZ, promoteur du grand poème
symphonique reste un des grands compositeurs romantiques de la musique classique
française. Il délaisse rapidement ses études médicales à Paris pour se consacrer à la musique. Véritable génie de l’instrumentation, créateur de l’orchestration moderne, grand théoricien de la musique, critique musical réputé, BERLIOZ a composé des symphonies dont la célèbre "Symphonie fantastique" où il utilise 2 clarinettes, un Requiem, 2 opéras et a produit un "traité d’instrumentation et d’orchestration".
Richard WAGNER
Wilhelm Richard WAGNER, (1813-1883), compositeur autodidacte allemand qui a su apprendre en innovant sans cesse (quatorze opéras, L'Or du Rhin, la Tétralogie, Tristan et Isolde, Parsifal, les Walkyries etc.) a créé le Festival annuel de Bayreuth pour promouvoir ses œuvres. Il est considéré comme l'un des grands compositeurs d'opéras du XIXe siècle
Frederic CHOPIN
Frederic
CHOPIN, compositeur classique polonais, pianiste virtuose exceptionnel, possède
dans son art un véritable classicisme, et sait éclairer
sa musique de magnifiques recherches harmoniques.
CHOPIN libère véritablement le piano des influences symphoniques en faisant éclater la notion d’instrument soliste. Dans ses études il explore les nouvelles possibilités du piano, dynamise les possibilités du clavier. Mais ses études ne sont pas que des studieuses recherches harmoniques ou des exercices de virtuosité, mais de merveilleuses œuvres de sensibilité et d'imagination. Ses sonates, préludes, trios, études, scherzos, fantaisies et ballades, expriment ferveur et mélancolie.
Fanz LISZT
IFranz
LISZT éblouissant pianiste classique hongrois, a su élever
et installer définitivement le poème symphonique
initié par BERLIOZ. C'est une musique à programme, ne comportant qu’un seul mouvement, articulée autour d’un leitmotiv, et inspirée par des poèmes, légendes, ou textes philosophiques. LISZT a écrit lui aussi de fameuses études, des concertos pour piano, des rhapsodies comme sa sonate en si mineur.
Piotr Ilitch TCHAÏKOVSKI
Piotr Ilitch Tchaïkovski (1840-1893), compositeur russe majeur de l’époque romantique a composé onze opéras, huit symphonies, quatre suites pour orchestre, cinq concertos, trois ballets célèbres (Le Lac des cygnes, La Belle au bois dormant, Casse-Noisette), cent-six mélodies et une centaine de pièces pour pianos.
Richard STRAUSS
.Richard Strauss (1864-1949) est un compositeur et chef d'orchestre allemand grand spécialiste de l'orchestre avec ses poèmes symphoniques (Ainsi parlait Zarathoustra, Mort et Transfiguration, Till l'Espiègle ou Don Juan) et ses opéras (Salomé, Elektra et Le Chevalier à la rose). Pas de lien de parenté entre Richard Strauss (allamand) et les deux Johann Strauss (père et fils), Viennois (autrichiens), célèbres pour leurs valses.
En Allemagne et Autriche : Giacomo MEYERBEER, Félix MENDELSSOHN, (1809-1847) chef d'orchestre, pianiste et compositeur allemand, "classique des romantiques" pour sa science du contrepoint (Songe d’une nuit d’été, symphonies "italienne" et "écossaise", une Sonate pour clarinette et piano, deux concertos pour clarinette et sa "fameuse" marche nuptiale), Louis SPOHR, Max Christian BRUCH, Johann STRAUSS (fils), Johannes BRAHMS, (1833-1897) compositeur et chef d'orchestre allemand, pianiste virtuose, maître du contrepoint et très important musicien de la période post romantique (Symphonies, Sérénades, Concerto pour piano, Sonates pour clarinette et piano (musique de chambre)
LA
FIN DE LA PÉRIODE CLASSIQUE ROMANTIQUE
Les dernières années du romantisme, de 1850 au début
du XXème siècle sont marquées par un regain de nostalgie
territoriale, faisant appel aux traditions musicales des pays.
C'est ainsi que de nombreuses écoles classiques expriment l'âme et la fragrance particulière de leur terre. Puis le romantisme, la flamboyante fascination wagnérienne,
les musiques classiques de la terre natale s'essoufflent. Le XXème siècle aura besoin de renouveau. Dans quelle direction
la "musique classique moderne" ira-t-elle chercher ?
INSTRUMENTS
UTILISÉS DANS LA MUSIQUE CLASSIQUE ROMANTIQUE
MUSIQUE
CLASSIQUE DU XXème SIÈCLE DITE MODERNE (1850-1950)
COMPOSITEURS DE MUSIQUE CLASSIQUE DE L'ÉPOQUE OU LA PÉRIODE MODERNE - SERGUEI RACHMANINOV, SCRIABINE, TCHAÏKOVSKY, RIMSKY-KORSAKOV, DEBUSSY, RAVEL, SAINT SAËNS, FAURÉ, PROKOFIEV, CHOSTAKOVITCH INSTRUMENTS DE MUSIQUE DE LA PÉRIODE MODERNE
Sergei Rachmaninov
DÉFINITION DE LA MUSIQUE CLASSIQUE DU XXe SIÈCLE.
La musique classique du XXème siècle est une période de transition entre le romantisme et l'ère contemporaine, très approximativement située entre 1850 et 1950, entre musique tonale et atonale. Elle développe une incroyable diversité de styles musicaux, seulement liés par la chronologie : certains mouvements issus du post romantisme sentent encore le XIXème siècles et s'opposent à d'autres qui, reconsidérant la théorie musicale, explorent de nouvelles voies (musique modale, musique symbolique, sérialisme dodécaphonique, musique concrète).
Impressionisme
Claude MONET
Pyotr Ilitch TCHAÏKOVSKY
Maurice RAVEL
Claude DEBUSSY
Dimitri
CHOSTAKOVITCH
Igor Fiodoravitch STRAVINSKY
Arnold SCHÖNBERG
COMPOSITEURS DE LA MUSIQUE MODERNE DU XIX-XXème SIÈCLE
Sergeï Vassilievitch RACHMANINOV
Sergeï Vassilievitch
RACHMANINOV (1873-1943), compositeur, pianiste et chef d'orchestre d'origine russe naturalisé américain, serait le dernier compositeur "romantique" du XXe siècle ? Mais, "classique", "romantique", "moderne", quelle importance, mis à part situer une époque, peut avoir cette classification de musicologues pas forcément musiciens !
Le fait est que RACHMANINOV laisse une œuvre impressionnante de toute beauté, qui nous plonge dans le mystère existentiel du corps et de l'esprit (Concertos pour piano, l'Île des morts, Rhapsodie sur un thème de Paganini, ses 17 études-tableau, Prélude en si mineur, deux Sonates, les Danses symphoniques, Liturgie de Saint Jean Chrysostome, Vêpres, Les Cloches), dans la lignée de ses Maîtres - TCHAÏKOVSKY et Nikolaï RIMSKY-KORSAKOV.
La musique de Rachmaninov, dans la coulée de la tradition post romantique conserve le système tonal. Malgré la richesse de son harmonisation et l'originalité de son contrepoint chromatique, elle ne définit pas un "courant dominant" de la période "moderne" du XXème siècle. Mais sa sobriété distinguée, l’expressivité de ses nuances, et son puissant souffle lyrique, en font, malgré une critique qui tentera de ringardiser tout ce qui ne se réclame pas de "l'avant-garde", une des plus belles et légendaires expressions du XXème siècle.
COURANT DU DÉBUT DU SIÈCLE
À la fin du XIXe, de jeunes compositeurs tentent de s'évader des systèmes harmoniques et stylistique classiques et romantiques. Ils découvrent les musiques africaines, asiatiques et l'expression musicale majeure du XXème siècle : le jazz. Ils explorent alors des voies nouvelles avec un usage pictural des sonorités, des rythmes syncopés, voire un retour au modal. Ils inventent l'atonalité, le dodécaphonisme et posent les prémisses de la musique séquentielle (succession d'impressions).
Alexandtre SCRIABINE
Alexandre
SCRIABINE (1872-1915), compositeur russe symboliste visionnaire, redéfinit l'harmonie.
Son fameux et superbe accord "mystique" (do, fa#, sib,
mi, la, ré) apporte un indiscutable renouveau. SCRIABINE initie en même temps une plus grande magie dans ses concerts,
en utilisant des projecteurs de couleur. Quelle avance !
En France, se dessine une musique impressionniste et symboliste représentée par Debussy, Ravel, Dukas. Ces grands compositeurs lient leurs
harmonies subtiles à la palette colorée des peintres impressionnistes. En Angleterre c'est Delius, en Allemagne Schreker, en Italie Respighi. En Autriche, Schönberg crée la musique dodécaphonique.
Claude DEBUSSY
Claude DEBUSSY (1862-1918), premier impressionniste, inspiré par les musiques exotiques pressent, tantôt le jazz, tantôt la musique contemporaine, et juxtapose ses accords raffinés et mystérieux d'une manière
inhabituelle, insolite. Il compose une rhapsodie pour clarinette en demi-teintes féériques. On retiendra : Nocturnes (1899), La Mer (1905) et Iberia (1912).
Maurice RAVEL
Maurice
RAVEL (1875-1937), impressionniste aussi, maître de l'orchestration, utilise une écriture modale, plus précise, souvent teintée
de rythmes exotiques, voire de couleurs et rythmes empruntées au jazz, ou empreintes de sa fascination pour l'Espagne (Le Boléro, au succès planétaire)... Ravel compose aussi une introduction et allegro pour clarinette...
A
peu près à la même époque nous retrouvons
des maîtres classiques qui, sans redéfinir la musique,
représentent cependant profondément le courant du début
du siècle. Il ne faut pas s'étonner de les retrouver aussi dans la musique romantique, car la chronologie de la "musique classique moderne" chevauche XIXème et XXème siècle : Alexandre BORODINE (1833-1887) (Le Prince Igor) ; César FRANCK (1822-1890) (Symphonie en ré mineur) ; Léo DELIBES (1836-1891) (Lakmé) ; Camille SAINT SAËNS (1835-1924) (Symphonie N°3) ; Charles-Marie WIDOR (1844-1937) ; Gabriel FAURÉ (1845-1924) (Requiem) ; Vincent d'INDY(1851-1931) (Symphonies; Fondation de la Schola Cantorum) ; Paul DUKAS (1865-1935) (L’Apprenti sorcier) ; Louis VIERNE (1870-1937) (Symphonie N°1, Carillon) ; Heitor VILLA-LOBOS (1887-1959) compositeur brésilen, autodidacte extrêmement fécond ; Paul HINDEMITH (1895-1963), attaché à la voie tonale, mais très élargie ; Maurice DURUFLÉ (1902-1986) (Requiem) ; Jehan ALAIN (1911-1940) (Litanies) ; Charles GOUNOD (1818-1893) (Symphonies, Requiem, Ave Maria) ; Edouard LALO (1823-1892) ; Georges BIZET (1838-1875) ; Isaac ALBENIZ (1860-1909 ; Jean SIBELIUS (1865-1957) ; Enrique GRANADOS (1867-1916) (Danzas Españolas) ; Manuel DE FALLA (1876-1946) (Nuits dans les Jardins d'Espagne" (1915) ; Georges AURIC (1899-1983) ; Joaquin RODRIGO (1902-1999) (Concierto de Aranjuez) ; Benjamin BRITTEN
(1913-1976) compositeur anglais de l'école moderne...
COURANT MODERNE ENCORE CLASSIQUE
Sergeï PROKOFIEV
Sergeï PROKOFIEV (1891-1953) Dans Pierre et le Loup, la clarinette incarne le chat dans l'orchestre. Sympa pour les enfants ! Par ailleurs l'œuvre de PROKOFIEV est de toute beauté (Symphonie N°1 en ré majeur, etc.) .
Dimitri CHOSTAKOVITCH
Dimitri CHOSTAKOVITCH (1906-1975), dont chacun ne connaît malheureusement que "la valse", est un compositeur russe qui a connu la période soviétique stalinienne.
CHOSTAKOVITCH, auteur extrêmement brillant et prolifique avec quinze symphonies, six concertos, une fastueuse musique de chambre, six opéras (Lady Macbeth), quinze quatuors à cordes, quelques œuvres pour clarinette, 120 musiques de films (Le cuirassé Potemkine, Hamlet)..., a une immense distinction dans toute son écriture, et su faire la synthèse de la tradition classique avec une modernité du meilleur goût.
Igor STRAVINSKY
Igor Fiodorovitch STRAVINSKY (1882-1971), considéré comme l'un des compositeurs influents du XXe siècle , ébranle en 1913 la musique classique moderne. Son œuvre complexe et ardue évolue de la musique de ballets "l'Oiseau de feu" (1910), le "Sacre du printemps" (1913), à un retour vers les formes traditionnelles (années 20), et l'exploration vers 1950 de la musique sérielle. Cette
nouvelle liberté rythmique et harmonique inaugure la polyrythmie
et la polytonalité.
GeorgeGERSCHWIN
George GERSCHWIN (1898-1937), compositeur américain, créateur d'un jazz symphonique, fait triompher ses comédies musicales et sa Rhapsody in blue,
Cependant,
une irrésistible mutation se profile, qui pousse les compositeurs
de musique classique "ouverts", à tout remettre en question, à
tout vouloir réinventer.
Abandonnant
les traditionnelles mesures à 3 ou 4 temps, les nouveaux
compositeurs instaurent des rythmes plus complexes, qui suggèrent
une impression de vitalité et d'énergie, des accords dissonants, et une discontinuité mélodique. Igor STRAVINSKY, Edgar VARESE, Darius MILHAUD, Arthur HONEGGER, Francis POULENC, Oliver MESSIAEN...
Béla BARTOK
Béla BARTÒK (1881-1945) expérimente un modernisme de plus en plus dissonant en musique de chambre, où s'insèrent des clarinettes.
MUSIQUE CLASSIQUE MODENE ATONALE
Les
musiques de l'âme et du sentiment vont bientôt s'éclipser
devant la superbe des expérimentations de l'intellect pur.
La mélodie s'estompe au profit de combinaisons mathématiques
ou aléatoires de timbres...
Arnold SHÖNBERG
C'est ainsi qu'Arnold SCHÖNBERG (1874-1951) et son école, en Autriche, vont exclure radicalement toute référence à la tonalité avec la musique classique dodécaphonique, qui ouvre la voie à la musique sérielle ou musique des séries. Il compose entre autres, une œuvre de musique de chambre pour clarinette. Arnold Schoenberg, Alban Berg et Anton Webern forment le groupe de l'Ecole de Vienne".
Les
idées de métamorphoses se bousculent, abolissant
les règles élaborées au cours des siècles.
INSTRUMENTS
UTILISÉS DANS LA MUSIQUE CLASSIQUE MODERNE
La musique classique moderne
met en avant des instruments généralement peu utilisés tels le saxophone né au XIXème, par exemple dans le Boléro de Ravel, ou les cuivres d'accompagnement. La clarinette est recherchée pour des effets spéciaux.
Les percussions, timbales, vibraphone, cloches tubulaires, gamelan et célesta, déjà inventées prennent une importance prépondérante dans l'orchestre du XXème siècle.
Les applications de l'électricité entrainent la création d'instruments comme le Theminvox, les ondes Martenot, l’orgue Hammond, les synthétiseurs voire les studios de musique électroacoustique.
MUSIQUE CLASSIQUE CONTEMPORAINE ( 1950 -> + ? )
COMPOSITEURS
DE MUSIQUE CLASSIQUE DE L'ÉPOQUE OU PÉRIODE CONTEMPORAINE: SCHÖNBERG, BERG, VARESE, MESSIAEN, SCHAEFFER, BERIO, CAGE, PENDERECKI, XENAKIS - INSTRUMENTS DE MUSIQUE DE l'ÉPOQUE CONTEMPORAINE
Art contemporain
DÉ;FINITION DE LA MUSIQUE CLASSIQUE CONTEMPORAINE.
La musique classique contemporaine naît au XXème siècle dans les années 1950 et désigne les différents courants de "musique classique" savante qui présentent de voies sonores inédites, habituellement hors du système tonal, et autoproclamés "formes ouvertes". Avènement de la musique électroacoustique, concrète puis électronique, avec l'apparition de nouveaux instruments et signes de notation.
Olivier MESSIAEN
Edgar VARESE
John CAGE
Pierre
BOULEZ
Iannis XENAKIS
Karlheinz STOCKHAUSEN
Notation
moderne
LA
MUSIQUE CLASSIQUE EXPÉRIMENTALE
La computation mathématique, la synthèse sonore puis l'informatique musicale,
s'intègrent à
la musique classique du XXème siècle. La recherche de nouvelles
sonorités et de nouvelles gammes de fréquences conduit
les compositeurs classiques a pousser les instruments à
leur plus extrêmes limites, voire à l'utilisation des
bruits.
MUSIQUE TONALE ET ATONALE DÉFINITION
la musique tonale exploite les mélodies et accords autour des gammes majeures et mineures, alors que le système atonal rejette ce système afin que chaque note n'ait plus aucune fonction, supprimant degrés, gammes, toniques et dominantes.
LES PRÉCURSEURS
Les compositeurs d'après guerre ont en effet tenté de se libérer des systèmes tonals classiques. Arnold Anton Webern, voire Igor Stravinsky, dans sa dernière période composent déjà une musique où mélodie et harmonie font place à des séries préétablies de sons.
Le dodécaphonisme est basé sur une série immuable d'intervalles laissant entendre chacun des douze sons du système chromatique, mais sans lien avec la tonalité.
Edgard Varèse y ajoute des bruits industriels en s'attachant particulièrement au timbre et au rythme.
LE SÉRIALISME
Le sérialisme (avec Pierre Boulez, Luciano Berio, Karlheinz Stockhausen) généralise la structuration par des séries à tous les paramètres du son (rythmes, durées, timbres, etc.).
LA MUSIQUE CONCRÈTE, ÉLECTRONIQUE, ÉLECTROACOUSTIQUE
Vers 1950, de nouvelles formes de composition directes sur le matériau sonore vont voir le jour, en intégrant des instruments électroniques. Pierre Henry et Pierre Schaeffer créent la musique concrète et fondent le Groupe de recherches musicales (GRM).
La musique sur bande magnétique, sera désignée comme "concrète" : en partant du matériau sonore, en écoutant directement le résultat... on aboutit à cette abstraction qu'est la musique ! C'est la "démarche concrète". Il fallait y penser !
Edgard Varèse, Pierre Schaeffer et Pierre Henry, Karlheinz Stockhausen, Luciano Berio, Pierre Boulez, Luigi Nono et György Ligeti intègrent des instruments électroniques à leurs œuvres, mêlent instruments et sons électroacoustiques enregistrés à l'exécution instrumentale, ou créent des œuvres de musique électronique pure.
L’informatique va révolutionner toutes ces techniques, que ce soit pour la création de sons ou l'aide à la composition.
LE SPECTACLE MUSICAL
De plus en plus de musiques s'orientent vers cette démarche fascinante de fondre musique et spectacle, musique et vidéo. Dans la musique du XXIème siècle, nombre de compositeurs perpétuent cette idée séduisante de mêler musique aux arts de la scène. On retiendra pour l'innovation qu'elle représente les polytopes de Iannis Xenakis, et notamment celui de l'abbaye de Cluny à Paris, avec sa Musique stochastique.
L'INDÉTERMINATION
L'indétermination est un courant américain, dû à John Cage, en réaction à la complexité de la musique européenne : l'exécution d'une œuvre doit selon lui avoir une interprétation une différente caque fois ; c'est "l'œuvre ouverte".
On voit apparaître des partitions utilisant des signes nouveaux, sans rapport avec les standards existants.
LE MINIMALISME
La musique minimaliste de Luciano Berio est un courant de musique, basée sur un principe de répétition, utilisant un matériau assez dépouillé.
LA
MUSIQUE CLASSIQUE CONTEMPORAINE
En
abordant ce paragraphe, il faut avoir le courage d'accepter le
risque impitoyable d'anathème avec l'étiquette de
"réactionnaire", pour ne pas souscrire à
la pensée unique de ceux qui détiennent le "Modernisme" et la "Vérité".
UNE SPÉCULATION ÉLITISTE
QUI S'ESSOUFLE ?
Le
culte d'un positionnement à la pointe extrême de
l'évolution, conduit les chercheurs contemporains de musique
classique "sérieuse" à l'intolérance
: excommuniant les "formes figées du passé",
ils ne veulent tolérer que les leurs, qu'ils autoproclament "formes ouvertes".
Des "formes ouvertes" se sont en effet multipliées
depuis, donnant au monde les plus surprenantes spéculations
intello-culturelles audibles ou inaudibles de toute l'histoire
de la musique.
Disons-le
sans ambages : le rejet en bloc de l'héritage du passé
a coupé le public de la musique dite "contemporaine"
(voir : Sondage musique).
"Si vous programmez des œuvres de Xenakis et Boulez, vous allez avoir du mal à remplir une salle ! ", regrette ainsi Pascal Terrien.
La musique "contemporaine" s'est ainsi peu à peu étiolée, jusqu'à
devenir un art marginal, incapable de vivre par lui-même
sans subventions étatiques : les compositions délirantes des CAGE, BOULEZ, XENAKIS et autres STOCKHAUSEN, qui bénéficient de
la reconnaissance et du financement des autorités gouvernementales
n’a pas convaincu pour autant le public. John CAGE ne se fiche-t-il pas de la gueule du monde en proposant une "œuvre" intitulée 4’33, où rien n'arrive durant quatre minutes, trente-trois secondes !
"Créateur"
d'art "moderne" serait il aujourd'hui le "métier"
de "faiseurs" et de "courtisans modernes" en quête de subventions étatiques
?
Et là, il faut se défaire de l'idée que les
vrais novateurs, en avance sur leur temps, doivent attendre leur
mort pour être reconnus : Jean-Sébastien BACH, certes
souvent descendu par la critique de son temps (accusé d'avoir introduit
l'Opéra à l'église !), MOZART écarté
de la cour par l'Empereur, n'en ont pas moins fasciné leur
époque, car les gensaimaient leur musique, et leurs concerts
attiraient la foule.
Alors
qu'aujourd'hui, grâce au CD, au DVD,
à la technologie des synthétiseurs et de la musique assistée
par ordinateur, l'art des sons est accessible à tous,
que le nombre des musiciens a explosé, et qu'il n’y
a jamais eu autant de production musicale, se peut-il alors que
le nombre de véritables génies musicaux se soit
ratatiné ?
La
"théorie de l'évolution de la musique"
et "l'élitisme avant-gardiste" qui stérilise la création
sincère serait-elle alors le résultat de la prétention
de compositeurs en mal de notoriété, courtisans
d'hommes politiques notoirement incultes ? L'ambition de produire
du nouveau à tout prix pousserait-elle certains grands
esprits avides de reconnaissance à générer une enveloppe
sans contenu ? Les élucubrations subventionnées contemporaines correspondent à notre siècle du "jetable". Que restera-t-il en effet de ces mystifications dans une centaine d'années ?
On
peut comprendre que le monde réel, mis à l'écart
d’une musique classique "contemporaine" dominante peu intelligible, n’ait
pas souscrit à l’art téléguidé
de la dictée officielle.
L’humanité nouvelle
s'est vue obligée de se doter pour elle-même, d’une
musique issue d'un art traditionnel populaire imaginatif, comme
ce fut le cas au moyen âge, avec la novation des troubadours : la nouveauté en musique du XXème siècle venu d’autres horizons
: jazz, blues, gospel, ont ouvert
des voies neuves.
Certes la promotion par les médias d’œuvres
commerciales bas de gamme, a malheureusement dévalué
l'image de quelques unes de ces formes d’art authentique
et vivant... Quoi qu'il en soit, la qualité, la complexité,
la créativité et le pouvoir émotionnel des
formes vraies et originales leur ont donné une indiscutable
crédibilité et une bonne raison d’exister.
La
création véritable ne cherche pas un quelconque
positionnement à l'extrême pointe d'une plus ou moins utopique
évolution, elle ne sait qu'obéir à une impérieuse
nécessité interieure.
COMPOSITEURS
DE MUSIQUE DU XXe SIÈCLE ET DE LA PÉRIODE
CONTEMPORAINE
Edgar
VARESE crée une œuvre pour 37 instruments de percussions
; Olivier MESSIAEN passionné par la musique de l'Orient,
s'inspire de chants d'oiseaux ; Maurice DURUFLÉ (Requiem) ; Pierre SCHAEFFER invente la "musique
concrète", mixage de bruits industriels et de sons
naturels enregistrés sur magnétophone ; Karlheinz STOCKHAUSEN mêle bruits et sons électro-acoustiques
: Musique-spectacle où le "happening" devient
inséparable de la musique ; Pierre
HENRY (Apocalypse de Jean, musique électro-acoustique)
; Luciano BERIO module électroniquement la voix humaine
; John CAGE compose une "musique aléatoire" et
donne un "concert de silence" de 4 minutes et demi ! ; Krzystof PENDERECKI utilise des "effets sonores" à la place des notes
; Pierre BOULEZ, musicien énigmatique capable d'écrire
des fugues à six voix en utilisant la "maîtrise
mathématique totale" ; Ianis XENAKIS expérimente
la musique "fascination du hasard", et la m usique stochastique. Pour promouvoir son œuvre, le compositeur associe à sa musique un véritable show Laser vectoriel,
avec réflexions multiples par jeux de miroirs (Polytope de Cluny). Henryk GÒRECKI compositeur polonais ; Charles CHAYNES s'essaye à une évolution prudente vers le langage de la modernité. Henri DUTILLEUX, compositeur et pédagogue dont l'œuvre s'inspire de celle de d'Indy et de Stravinsky.
S'il
est vrai que l'avenir commande d'ouvrir de nouvelles voies, les
créateurs classiques contemporains n'ont pas encore produit
d'œuvres acceptables par tous, dont le génie puisse
égaler celui d'un BACH ou d'un MOZART.
Le talent d'un innovateur n'a rien à voir avec son positionnement
sur l'échelle de "l'évolution de la musique",
et la vraie question est de savoir combien de compositeurs classiques
contemporains resteront dans les cents ans à venir...
INSTRUMENTS
DE MUSIQUE CLASSIQUE DU XXe SIÈCLE ET DE LA PÉRIODE
CONTEMPORAINE
Instruments
utilisés dans la musique classique du XXème siècle et + : Les compositeurs comme Luciano Berio, Philip Glass, John Adams utilisent le saxophone. dans de nouvelles facettes. Les instruments de musique traditionnels sont poussés dans
leurs plus extrêmes limites, percussions, ondes MARTENOT, Thérémine,
bruits, magnétophones (dans la musique concrète), désormais
les synthétiseurs...
COMPOSITEURS CÉLÈBRES DE MUSIQUE CLASSIQUE
LISTE ET CLASSEMENT DES GRANDS COMPOSITEURS PAR ÉPOQUE - SÉLECTION DES COMPOSITEURS LES PLUS CÉLÈBRES PAR NATIONALITÉ ET PAR ÉPOQUE.
Ce sont les grands compositeurs de musique classique qui ont imposé un style, renouvelé l'écriture et défini des périodes comportant une unité de forme. On peut classer les compositeurs classiques de différentes manières : par exemple par nationalité, car chaque pays a eu ses grands maîtres :
CLASSEMENT DES GRANDS COMPOSITEURS PAR NATIONALITÉS
Compositeurs allemands, avec Georg Philipp Telemann (1681-1767), Ludwig van Beethoven (1770-1827), Felix Mendelssohn (1809-1847), Robert Schumann (1810-1856), Richard Wagner (1813-1883), Johannes Brahms (1833-1897), Richard Strauss (1864-1949), Arnold Schoenberg (1864-1949), et le plus grand d'entre eux, Jean-Sébastien BACH (1685-1750).
Compositeurs autrichiens avec Joseph Haydn (1732–1809), Ludwig van Beethoven (1770-1827) et très haut dans le ciel des plus grands, Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791).
Compositeurs italiens avec Claudio Monteverdi (1567-1643), Tomaso Albinoni (1671-1751), Antonio Vivaldi (1678-1741), Luigi Boccherini (1743–1805).
Compositeurs français avec Jean-Baptiste Lully (1632-1687), François Couperin (1668-1733), Hector Berlioz (1803-1869), Camille Saint-Saëns (1835-1921), Maurice Ravel (1875-1937).
Compositeurs anglais avec John Dunstable (1390–1453), Henry Purcell (1659–1695) et ce géant de la musique, Georg Friedrich Haendel (1685-1759), pourtant né en Allemagne, mais naturalisé britannique...
CLASSEMENT DES GRANDS COMPOSITEURS PAR ÉPOQUES
Pour classer les grands compositeurs, les musicologues ont également et surtout opéré par chronologie et différencié despériodes, dont quatre époques incontournables :
La période baroque entre 1600 et 1750, faisant suite à l'époquerenaissance, précédant elle-même la périodemédiévale et l'époque grégorienne, avec des compositeurs essentiels tels Jean-Baptiste Lully (1632-1687), François Couperin 1668-1733, Thomaso Albinoni (1671-1751), Antonio Vivaldi (1678-1741) et Jean-Sébastien BACH (1685-1759), le plus illustre, le meilleur et le plus grand messager de ce style.
La période classique, entre 1750 et les alentours de 1800, avec Joseph Haydn (1732-1809), Luigi Boccherini (1743–1805) Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) et Ludwig van Beethoven (1770-1827), dernier grand représentant du classicisme viennois, des compositeurs fondamentaux constitutifs de cette époque.
La période romantique, entre 1800 et près de 1900, avec des compositeurs marquants célèbres tels Franz Schubert (1797-1828), Frédéric Chopin (1810-1849), Franz Liszt (1811-1886) et Johannes Brahms (1833-1897).
La période moderne, entre 1900 et autour de 1950, avec des compositeurs majeurs tels Seguei Rachmaninov (1873-1943), Claude Debussy (1862-1918), Maurice Ravel (1875-1937), George Gershwin (1898-1937), Igor Stravinsky (1882-1971), Sergueï Prokofiev (1891-1953), Dimitri Chostakovitch (1906-1975). Une ère contemporaine s'en est suivie et s'étend jusqu'à nos jours.
Ci-dessous vous trouverez une liste plus complète et plus étendue de ces créateurs immortels qui sont les grands noms de la musique classique.
PANORAMA CHRONOLOGIQUE DES COMPOSITEURS DE MUSIQUE CLASSIQUE
PANORAMA CHRONOLOGIQUE DES COMPOSITEURS DE LA PÉRIODE MÉDIÉVALE JUSQU'À AUJOURD'HUI
La chronologie des grands compositeurs de musique classique permet de les répertorier par périodes sur l'échelle du temps, et de les situer immédiatement ainsi d'une manière synoptique avec un style défini.
L'histoire de la musique classique commence avec la musique médiévale qui couvre près de 800 ans d'histoire religieuse et profane. Avant le IXème siècle, la musique médiévale est une forme presque exclusivement religieuse. On note les noms de Saint Ambroise, évêque de Milan, compositeur du IVème siècle et du Pape Grégoire Ier (540-604 - VIème siècle ). Au XIIIème / XIVème siècle c'est l'ARS NOVA (1320 à 1380) avec Philippe de VITRY et
Guillaume de MACHAUT, puis Giraut de BORNELH, Adam de la HALLE. On enchaîne avec un choix des grands compositeurs de la musique de la Renaissance à l'ère contemporaine.
GRÉGORIEN VIème-XIIIème (600-1 200)
Grégoire 1er Vatican
MUSIQUE MÉDIÈVALE Xème -XIVème (1 200-1 400)
Pérotin 1160-1230 (France) ; Alphonse de Castille 1221-1284 (Espagne) ; Adam De La Halle 1240-1287 (France) ; Guillaume de Machaut 1300-1377 (France)
CONCERTS DE MUSIQUE CLASSIQUE OU CONCERT CLASSIQUE
Concert
classique
Concert classique
philharmonique
Un
concert est l'exécution musicale publique ou privée d'un
soliste, d'un orchestre ou d'une chorale.
Le
concert va donner au public non seulement la joie d'écouter
la musique en direct et de voir les musiciens "en vrai",
mais encore de partager une émotion raffinée avec
d'autres spectateurs.
Si
le concert n'est donné que par un seul musicien ou ne fait
référence qu'à un seul compositeur, il s'agit
d'un "récital". On parlera alors par exemple
d'un récital d'orgue,
d'un récital BACH
CONCERT DE MUSIQUE CLASSIQUE OU CONCERT CLASSIQUE DÉFINITION
Le
concert classique ou concert de musique classique est une exécution musicale qui a pour objet
d'interpréter des œuvres du répertoire de grands compositeurs de la tradition musicale occidentale.
Dans
le cas où le concert de musique classique est produit un ensemble
de musiciens, il s'agit d'un concert classique instrumental. Mais ce concert peut être aussi le fait d'un seul musicien, comme dans le cas d'un concert de piano ou d'un récital d'orgue.
L'orchestre
classique est dirigé par un chef d'orchestre. Si l'un des
instruments a un rôle prépondérant, celui-ci
sera mis en exergue dans la présentation du concert. On
pourra parler, par exemple dans ce cas d'un concert
de clarinette, bien que le soliste soit accompagné
par tout un orchestre
Enfin,
lorsque le concert classique présente un ensemble de
chanteurs, on parle de la prestation d'un chœur classique, concert d'une chorale, d'une maîtrise,
dirigés par un chef de chœur, un chef de pupitre...
Le
concert classique peut être donné dans un salon mondain,
une salle destinée à cet effet, un théâtre,
une église, une cathédrale, un abbaye, une salle
d'opéra, une cour de château, le cœur d'un parc
en plein air... Mais on a vu des concerts classiques donnés dans le métro, des usines, des prisons.
L'atmosphère
du concert de musique classique est un tant soit peu guindée,
et les auditeurs, souvent issus d'une intelligentsia bourgeoise,
écoutent dans le plus grand silence la musique ou le maître
qu'il est de bon ton d'apprécier... Certes il y a aussi heureusement dans le public quelques vrais
mélomanes ! A la fin du concert, et à la fin seulement,
les applaudissements crépitent, nourris.
Si
le concert a été particulièrement apprécié,
les auditeurs se lèvent et applaudissent debout, durant
de longues minutes.
FESTIVAL DE MUSIQUE CLASSIQUE OU FESTIVAL CLASSIQUE
Festival
de
musique classique
FESTIVAL
DE MUSIQUE CLASSIQUE DÉFINITION
Un festival de musique classique est manifestation musicale organisée à époque
fixe sur plusieurs jours, réunissant des musiciens ou orchestres issus de la de musique
savante, pour l'interprétation d'un programme d'œuvres du répertoire du genre.
L'objectif premier d'un festival de musique classique est la promotion d'un ou de plusieurs de ses artistes, ou de présenter l'œuvre d'un grand compositeur. Il se déroule à époque fixe, généralement annuellement, souvent sur plusieurs jours, et présentant un programme défini.
Mais le festival
de musique classique, comme d'ailleurs le festival
de Jazz ou un spectacle
Son et Lumière est aussi l'occasion pour une commune
ou une région, à réaliser une vaste opération
de communication pour valoriser le lieu, un patrimoine architectural, et en retirer les retombées économiques.
La multiplication des festivals de musique classique est due, entre autres à leur rôle promotionnel et économique, permettant faire grandir un artiste, de faire connaître une commune et de convertir ce capital culturel et social en capital économique.
HISTOIRE ET ORIGINE DES PREMIERS FESTIVALS
DE MUSIQUE CLASSIQUE
En Grèce antique, les jeux olympiques s'accompagnaient de fêtes et de concerts. En France, le terme festival apparaît pour la première fois dans les années 1830-1840 avec le "mouvement orphéonique", pour une fête de charité qui va s'annualiser.
Les "Chorégies d'Orange", ciblées sur l'opéra et de musique classique, fondées en 1867 sont reconnues comme étant le premier vrai festival musical français. Dix ans après, en 1876, Richard Wagner crée le premier grand festival international à Bayreuth.
En Autriche, les festivals de musique classique s'ancrent dans la tradition dès 1920. Par exemple, le célèbre Festival de Salzbourg se perpétue tous les ans depuis cette date.
Ces manifestations musicales à caractère culturel et festif se développent et se multiplient dans tous les pays du monde.
Le
festival de musique classique, souvent condensé sous l'appellation
de "festival de musique", peut présenter des
ensembles musicaux dans des styles de grande musique variés,
ou au contraire se cantonner un genre ou période bien définie
:
On
trouvera par exemple des festivals de musique classique faisant
appel à un genre musical, musique sacrée, musique d'opéra, musique de chambre, des styles divers caractéristiques d'une époque, ou encore présentant des solistes, des quatuors, des orchestres
symphoniques, ou des concerts d'orgue,
etc.
Les
festivals spécialisés, tels festivals de musique
baroque, festivals J.-S. Bach (les fameux BACH
TAGE de Hambourg en Allemagne), festivals MOZART (Festival de Salzbourg) ou encore festivals de musique classique
contemporaine (festival de Donaueschingen) font appel à
un compositeur ou un genre bien précis.
L'atmosphère
du festival de musique classique est assez cérémonieuse
et les auditeurs souvent tirés à quatre épingles,
parfois en smoking font partie de la haute bourgeoisie ou de la
petite qui veut paraître grande ! Les têtes couronnées
assistent bien souvent aux grands festivals de musique classique...
GRANDS
FESTIVALS DE MUSIQUE CLASSIQUE FRANCE ET ÉTRANGER
Un
festival de musique, classique ou pas, est une nécessité
promotionnelle pour une ville et de très nombreuses localités
ont employé ce moyen pour se faire connaître : On cite l'exemple du Festival de piano de La Roque-d'Anthéron, qui malgré la modestie de sa démographie (5 500 habitants) a réussi à se faire connaître dans une grande partie du monde.
Selon
le cas, les cités ont opté pour un festival de musique
classique, festival
de musique sacrée, ou festival
de jazz. Voici quelques grands festivals de musique classique
:
Festival de Salzbourg (Festival de musique
classique MOZART), Festival de musique classique de Sully,
Festival de musique classique de Colmar, Festival de musique de
la Chaise Dieu, Festival International de musique classique d'El
Jem, Festival International de musique classique de Dinard, Festival
de musique classique de Lille, Festival international de musique
classique d'été d’Aubenas, Festival
international de musique classique Piano de la Roque d'Anthéron, Festival de
musique classique baroque en Vendée, Festival de musique
classique de Saint-Sulpice-le-Verdon, Festival International de
musique classique d'Auvers-sur-Oise, Festival de musique classique
du Périgord Noir, Festival de musique classique de Saint
Denis, Festival de musique classique
(de chambre) Briançon, Festival de musique classique
de Saint Tropez, Festival
de musique de Saint Victor, Festival d’Art lyrique d’Aix
en Provence…
La
vidéo de promotion qu a été longtemps l'apanage de la
musique Pop ou Rock, s'est largement étendue à la musique
classique et au jazz. On trouve aujourd'hui
très facilement des vidéos de musique classique sur Internet,
ou en DVD.
Avec Monique THUS, orgue ; Kenny Clarke, drums ; Jean-Pierre COULEAU, piano. Sublime concerto pour clarinette et piano de Jean-Christian Michel.
Port-Maria - Le Voleur de Sommeil - Trille et fugue en ré mineur - La Corde de Larmes - Sonate en Fa majeur - Choral les Oxydes de Lumière - Les Paraboles de l'Espace - La lagune insondable
